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Concierto de la Esperanza 5r3z67 Apache, la voz del barrio que rompió fronteras

Fri, 06 Jun 2025 19:41:15 +0000

Concierto de la Esperanza: Apache, la voz del barrio que rompió fronteras jlrojas Vie, 06/06/2025 - 14:41

Las calurosas y agitadas calles de Baruta, en el Estado Miranda, Venezuela vieron nacer a Larry Porfirio Rada Herrera, a quien conocemos como Apache, un artista que forjó su carrera musical en la calle y que, a través de rimas y beats ha alzado la voz para contar las historias del lugar que lo formó.

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Infancia en Baruta: donde nació la voz del barrio

Apache nació el 15 de mayo de 1982 en medio de una Caracas que pasaba por tensiones sociales, económicas y culturales, precisamente este entorno fue la principal fuente de inspiración para este artista, quien moldeó su carácter, su mirada crítica y sobre todo, su voz.

Su infancia en el barrio Las Minas estuvo marcado por contrastes entre el arte y la violencia, entre la esperanza y la frustración, y en medio de ese ciclo apareció el hip hop como una tabla de salvación, un lugar seguro en el que podía expresar su sentir.

Su nombre artístico, Apache, proviene de su padrino, quien lo llamó así por su afición a las películas del Llanero Solitario, así que se convirtió en un símbolo de su identidad artística y personal.

La escuela del hip hop venezolano

En el 2003, Apache dio un paso significativo en su carrera al unirse a la agrupación caraqueña Cuarto Poder, la cual estaba conformada por César Velásquez (Cotur), Luis Chirinos (Rojo), Carlos Carrillo (Psycho), Miguel Cerda (Mkc) y Edgard Silva (Guarisley). El grupo representaba los cuatro elementos del hip hop: graffiti, MC, break dance y DJ. Con Cuarto Poder, Apache consolidó su presencia en la escena musical venezolana, destacándose por su estilo lírico y su compromiso con temas sociales.

Carrera solista: lírica social y evolución musical

En 2009, Apache lanzó su primer álbum como solista, Sin Afina’ Mucho, seguido por Afinando (2010) y Lo Necesario (2010). Estos tres discos consolidaron su estilo lírico y su compromiso con temas sociales. En 2012, colaboró con el fallecido rapero Canserbero en el álbum Apa y Can, el cual se convirtió en un hito del rap en español.

A pesar de las controversias, tras la muerte de Canserbero, Apache continuó su carrera con integridad, lanzando Original Combination (2016) y Ahora o Nunca (2017), un disco que aborda temas como la esperanza y la resiliencia.

Su discografía más reciente incluye Apache (2020), Ocho (2021) y Tiempo Mítico (2022), Territorio Apache (2023), Real Academia del Flow (2024) y Territorio: Apache Vol.2 Champion sound (2024), álbumes que muestran su evolución artística y su capacidad para adaptarse a nuevas sonoridades sin perder su esencia.

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La voz del barrio

Las letras de Apache son un reflejo de la vida en los barrios venezolanos, abordando temas como la pobreza, la violencia y la injusticia social. Su música busca generar conciencia y transmitir mensajes de superación y esperanza. Como él mismo ha expresado, "hemos sido voceros del barrio, de la sociedad y de la gente".

Con más de dos décadas de trayectoria, Apache se ha consolidado como una figura clave en el rap latinoamericano. Su influencia trasciende las fronteras de Venezuela, llevando su mensaje a diversos países de América Latina y Europa. Además de su carrera musical, Apache ha participado en iniciativas sociales y culturales que buscan empoderar a las comunidades a través del arte y la educación.

Apache en el Concierto de la Esperanza

El próximo domingo 8 de junio el rapero venezolano Apache se presentará gratis en el Concierto de la Esperanza: LATINOAMÉRICA MIGRANTE RESISTE en la Plaza de Bolívar de Bogotá. La entrada es libre y pueden ingresar mayores de 14 años.

Bersuit Vergarabat 5gy5z 10 momentos que definieron su historia (contados por la banda)

Wed, 04 Jun 2025 00:27:21 +0000

Bersuit Vergarabat: 10 momentos que definieron su historia (contados por la banda) jlrojas Mar, 03/06/2025 - 19:27

Más de tres décadas de irreverencia, crítica social y pura energía sobre el escenario. Hablar de Bersuit Vergarabat es recorrer uno de los caminos más singulares y vibrantes del rock argentino y latinoamericano. Desde su nacimiento en los años 80 hasta su consolidación como una banda emblemática, su historia está llena de momentos inolvidables, desafíos superados y una evolución constante que marcó a varias generaciones.

Fundada en 1988, Bersuit fusionó el rock con la murga, la cumbia, el tango y el folklore, convirtiéndose en un símbolo de libertad creativa y denuncia social. A lo largo de su historia, hn sabido reinventarse sin perder la esencia que los hizo únicos.

Para celebrar sus más de 30 años de trayectoria y su próximo show en el Concierto de la Esperanza, hablamos con Juan Subirá, tecladista y uno de los fundadores de la banda, quien nos compartió los 10 momentos más importantes en la historia de Bersuit Vergarabat. Un viaje íntimo por los hitos que marcaron su carrera.

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Cemento y el nacimiento de Bersuit Vergarabat

Sería la prehistoria de la banda, ya que algunos nos conocemos desde antes que nazca Bersuit y ya tocábamos juntos. Carlitos, que es el baterista, Carlos Martín, el bajista, Pepe Céspedes y también el primer guitarrista que Charlie Blanco y yo, bueno, nosotros nos conocemos de desde antes y ya veníamos tocando Albertito Venezuela que se incorporó en el año 94 también, lo conozco de de muy niño, pero este él se incorpora después a la banda.

En 1986 conocimos a Gustavo Cordera, y nos propuso ir a un concierto de bandas nuevas en la discoteca Cemento, así fue como nos presentamos en invierno de 1988, a alguien se le ocurrió la idea divertida de salir con pijamas, nos parecía fuera de contexto para lo que es el rock.

Henry y La Palagana fue el nombre que utilizó la banda en aquel entonces para presentarse, un año después, eligieron al azar Bersuit Vergarabat, que más allá de tener un significado profundo, es un juego de palabras.

Y Punto (1992): el álbum debut de la banda

Tras estar varios años en los escenarios, en 1992 la agrupación lanzó Y Punto, su primer trabajo discográfico, “fue también la consolidación de un sonido propio, uno en ese disco puede rastrear un montón de ritmos muy variados, una postura ideológica”.

El álbum salió en vinilo, cuando el formato era una rareza, marcó el inicio formal del proyecto y plasmó una identidad ecléctica y provocadora con ritmos variados, letras ideológicas y una postura firme que se siguió desarrollando a lo largo de su trayectoria.

El disco tiene una serie de claves musicales y literarias, las cuales luego se desarrollarían a través de toda la historia de la banda.

"Fue nuestra carta de presentación en sociedad, la forma de buscar un lugar dentro de la escena de la música nacional".

Don Leopardo (1996): un nuevo comienzo

Luego del exitoso lanzamiento de su álbum debut, la banda organizó un concierto en el club Obras Sanitarias de Argentina, que si bien fue una buena presentación, artísticamente hablando, fue un fracaso a nivel empresarial y personal.

Por eso, su segundo álbum, Asquerosa alegría (1993) fue un poco más oscuro y pasó desapercibido en el panorama musical. Pero

Don Leopardo fue el resurgir de la banda, gracias a este disco volvieron a girar por el país y lanzaron su primer videoclip: Espíritu de la selva.

“Para nosotros llegar a ese tercer disco realmente fue un gran desafío y un gran logro”, gracias a él lograron también salir del under porteño.

Libertinaje (1998): el gran salto

La banda le envió las maquetas de las canciones del disco Libertinaje a Gustavo Santaolalla, quien decidió sumarse al proyecto de forma inmediata, “así comenzó una alianza eh con un hombre que que es como un prócer dentro de la música argentina y latinoamericana que casi todo lo que toca lo convierte en oro porque es un productor fantástico”.

Además de posicionarse como uno de los discos más importantes en Argentina, logró que la banda se proyectará a nivel internacional, con canciones como ‘Sr. Cobranza’ o ‘Se viene’, la banda se presentó por primera vez en escenarios de Colombia, Chile, México.

El álbum se convirtió en un referente, se caracteriza por ser descontracturado, es decir, tiene rock and roll mezclado con cumbia y en general tiene un estado de ánimo muy alto.

Hijos del culo (2000): madurez y profundidad

“Considero que es el mejor disco de nuestra historia, donde la banda logró una gran profundidad, madurez y crecimiento en muchas de sus canciones”, con una mezcla de murga, milonga y crítica social, hicieron historia con canciones como "La bolsa", "Toco y me voy" y "Negra murguera".

Regresaron a tocar a Obra Sanitaria, esta vez sin irse a pérdidas y también tocaron en recintos emblemáticos de Argentina como Luna Park, todas esas oportunidades que se abrieron gracias a este disco los hizo afianzarse como banda.

De la cabeza (2002): la energía en vivo

Es el primer álbum en vivo de la banda y logró captar ese sentimiento colectivo que había en cada una de sus presentaciones, “representa un estado de ánimo, lo importante que Bersuit fue en en aquel momento dentro del panorama artístico, la relación con el público, estar tocando en grandes estadios con un público muy seguidor y muy fervoroso”.

Además del repertorio que usualmente interpretaban, a este repertorio se le sumaron dos canciones inéditas: "Amor de perros" y "El pacto".

River Plate (2007) y los grandes conciertos

Llenar grandes estadios y festivales marcó un hito para la banda, pero sin lugar a dudas su presentación en el estadio River Plate fue histórica. Se realizó el 12 de mayo del año 2007 y convocó a más de 60.000 personas.

"Yo como fanático de River lo viví en un lugar sentimental también, una cancha a la que siempre fui, encima estar tocando en un estadio colmado, que es el estadio más importante, el más emblemático, fue realmente conmovedor".

Fue un momento inolvidable y quizá el más importante en la carrera de Bersuit Vergarabat, pero también quedó en la memoria como un momento agridulce, ya que ese concierto se grabó pero nunca se editó, nunca vió la luz.

La compañía discográfica que lo adquirió nunca lo editó, tampoco les pasó el material, quizá por la salida de Gustavo Cordera, pero al final solo quedó en la memoria de los integrantes de la banda y de las más de 60.000 almas que asistieron al show.

La salida de Gustavo Cordera

“La ida de de Gustavo Cordera de la banda, el abandono del del proyecto, realmente fue un momento muy muy difícil para nosotros, muy traumático”, algunos lo veían venir y otros no, en aquel entonces cada integrante buscó nuevos caminos, hubo una pausa y una distancia necesaria para procesar lo que estaba pasando.

“Esto cambió la historia de la banda, el grupo estuvo parado dos años hasta el momento en el que nosotros decidimos volver”.

El regreso o La revuelta (2011)

Si bien fue difícil tomar la decisión, la banda decidió continuar su historia musical sin Gustavo Cordera, aunque él se animó a participar, decidió continuar con su proyecto personal, así que los otros integrantes regresaron en 2011 con una gira por Europa.

"Nosotros sabíamos que íbamos a afrontar muchos desafíos grandes y bueno, estuvimos dispuestos a hacerlo del primer momento. Sabíamos que teníamos que tener una gran unidad de interior, mucha fortaleza, recuperar la clínica interna de la banda, porque de alguna manera era como que había que reconstruir todo eso".

Desde su regreso han lanzado cinco álbumes: La revuelta (2011), El baile interior (2014), La nuve rosa (2016), De la cabeza 2 (2019) y Cocoliche Life (2024).

Bersuit Vergarabat en el Concierto de la Esperanza

La música de Bersuit Vergarabat ha hecho reír, pensar, bailar y gritar a varias generaciones. Este 8 de junio, su show gratuito en el Concierto de la Esperanza promete ser una celebración inolvidable en la Plaza de Bolívar. Una oportunidad única para revivir sus grandes clásicos y disfrutar del legado de una de las bandas más importantes del rock latinoamericano.

La entrada es libre y pueden asistir personas a partir de los 14 años.

El espíritu de Los Prisioneros vive en el VI Concierto de la Esperanza 4kw2z

Tue, 27 May 2025 04:50:30 +0000

El espíritu de Los Prisioneros vive en el VI Concierto de la Esperanza

Prisioneros - Miguel Tapia

afcastellanos Lun, 26/05/2025 - 23:50

Los éxitos de Los Prisioneros, el grupo de rock más importante en la historia de nuestro continente, sonarán este 8 de junio en Bogotá, en el Concierto de la Esperanza ¡Latinoamérica migrante resiste! Un evento gratuito organizado por RTVC Sistema de Medios Públicos, con transmisión en vivo para todo el país por Señal Colombia, Radio Nacional de Colombia, Radiónica y RTVlay.

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El encargado actual de conservar el legado de Los Prisioneros es Miguel Tapia, baterista histórico y miembro original de la banda. Cofundador de Los Prisioneros, junto con Jorge González y Claudio Nerea, interpretará en la Plaza de Bolívar himnos generacionales como El baile de los que sobran (1986), Por qué no se van (1986), We are South American rockers (1988) y Tren al sur (1990).

Historia e importancia de Los Prisioneros

Los Prisioneros surgieron en 1983 movidos por sonidos británicos. En su música hay una redefinición del new-wave y el synth-pop de The Cure, The Smiths y Depeche Mode, y del punk de The Exploited y The Clash.

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Sin embargo, las posturas anti-establecimiento de sus referentes punk se impondrían sobre lo estético. La dictadura de 17 años de Augusto Pinochet, con injerencia internacional, despertaría en el grupo un sentimiento de protesta a la represión y un clamor a favor de la unidad latinoamericana.

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Mientras otros grupos de rock célebres como Soda Stereo optaron por guardar silencio o asumir posiciones neutras frente al autoritarismo político que secuestró a numerosos países de América Latina, Los Prisioneros no se guardaron nada y en esa resistencia vehemente descansa su grandeza.

Orígenes y discografía de Los Prisioneros

Homenaje a Los Prisioneros, en la comuna San Miguel en Santiago de Chile, donde se conocieron sus integrantes

González, Nerea y Tapia se habían conocido en 1979 en el bachillerato. Estudiaron en el mismo colegio público, en la zona metropolitana de Santiago. Unidos por gustos musicales genéricos y el sueño adolescente del rocanrol, se formaron oficialmente en 1983 y en 1984 lanzaron su primer disco: La voz de los 80s. Diez tracks que ya dejaban ver en su música un sentido satírico y de pensamiento crítico.

Latinoamérica es un pueblo al sur de Estados Unidos evidenciaba un hartazgo hacia la desigualdad y el dominio ideológico del Tío Sam sobre la región. Mentalidad televisiva repudiaba la alienación mediática. Y otros hits como Sexo y Nunca quedas mal con nadie eran reflejo de la actitud punk de la banda en contra de las convenciones sociales.

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En 1986 Los Prisioneros publicaron Pateando Piedras. Un segundo álbum de estudio con joyas como ¿Por qué no se van? y El baile de los que sobran, que elaboraban en clave pop-rock sobre la identidad y la independencia cultural. Detrás del impacto de estos hits, subyacen temas como Quieren Dinero y Por qué los ricos, sobre la lucha de clases.

La resistencia de Los Prisioneros a la dictadura

El álbum La cultura de la basura de 1987 fue más provocador y evidente en su crítica al pensamiento neoliberal. Una posición que los hizo ser considerados por los brazos mediáticos del régimen como “nocivos para la juventud”.

En La cultura de la basura, la canción Poder elegir hace alusión directa a la Democracia. We are Sudamerican Rockers reivindica la migración y la riqueza cultural de la región. Y Lo estamos pasando muy mal habla de un agente con la misión de matar a un opositor. Un macabro fenómeno que dejó 3,200 asesinados y 1,162 desaparecidos durante la dictadura en su país.

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Para 1988, Los Prisioneros apoyaron abiertamente votar por el NO en el plebiscito que marcó el comienzo del fin de la dictadura. Esta posición los censuró de manera permanente para presentarse en concierto en Chile hasta el regreso de un Gobierno democrático en 1990.

La separación y el regreso de Los Prisioneros

Miguel Tapia, Jorge González y Claudio Nerea: fundadores de Los Prisioneros

Disueltos por primera vez en 1992, Los Prisioneros lanzaron en 1990 un cuarto LP, llamado Corazones, de donde se extraen los éxitos Tren al sur y Estrechez de corazón. Sin embargo, Claudio Nerea y Miguel Tapia no hicieron parte de la grabación del disco al descubrirse que existió un romance entre Nerea y la esposa de Jorge González, Claudia Carvajal.

La historia de infidelidad al interior del grupo y otras tensiones personales hicieron que Los Prisioneros entraran en un hiatus de nueve años, entre 1992 y 2001. Su regreso, movido por la nostalgia, se consumó con dos conciertos gigantescos, que reunieron más de 150,000 personas en el Estadio Nacional de Chile.

#ConciertoDeLaEsperanza I 🎶 Miguel Tapia, de Los Prisioneros, te invita este 8 de junio a la Plaza de Bolívar para vivir juntos el Concierto de la Esperanza.

🎤 Ven con tus amigos y familiares a disfrutar de la música, la cultura y un mensaje de unión.

✨ Entrada gratuita. pic.twitter.com/6BjDul5N6n
— Radio Nacional CO (@RadNalCo) May 21, 2025

En ese contexto, comenzaron el proceso de sus dos últimos discos: Los Prisioneros (2003) con los tres originales y Manzana (2004), sin Claudio Nerea. Aunque González y Tapia trataron mantener la banda y probaron con remplazos y diferentes alineaciones, a comienzos de 2006 Los Prisioneros anunciaron su separación definitiva.

Miguel Tapia de Los Prisioneros gratis en concierto

En el último tiempo, Miguel Tapia ha seguido activo en la música, mediante proyectos musicales que mantienen vivo el espíritu de Los Prisioneros. En 2009, conformó un dúo con Claudio Nerea llamado “Nerea y Tapia”, que se extendió interrumpidamente hasta 2022. También lideró el grupo alterno Travesía y tuvo participaciones esporádicas en proyectos de cine, como actor y compositor de bandas sonoras.

El espíritu de Los Prisioneros, presente en distintos estallidos sociales que sacudieron nuestra región en el último tiempo, vivirá este 8 de junio de la mano de Miguel Tapia, en el Concierto de la Esperanza ¡Latinoamérica migrante resiste! Un concierto gratuito en la Plaza de Bolívar de Bogotá, organizado por RTVC y que será transmitido en directo por la radio y la televisión pública de Colombia.

Mago de Oz 5i543h tres décadas de metal, fantasía y rebeldía en español

Mon, 26 May 2025 21:02:58 +0000

Mago de Oz: tres décadas de metal, fantasía y rebeldía en español jlrojas Lun, 26/05/2025 - 16:02

La agrupación española Mago de Oz nació a finales de los años 80 en Madrid, España, un país donde el heavy metal aún era un lenguaje marginal, un lugar que había sido marcado por décadas de dictadura y que empezaba a abrirse culturalmente hablando.

La historia de Mago de Oz está marcada por violines, dragones, gaitas, guitarras eléctricas y una imaginación sin límites. La icónica banda española de folk metal no solo fue pionera en este género en su idioma, el español, sino que con más de tres décadas en la industria se ha convertido en una de las bandas más longevas, resilientes e influyentes del rock iberoamericano.

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Orígenes de Mägo de Oz: de Transilvania 666 al folk metal

La banda se formó en 1988 bajo el nombre de Transilvania 666, desde sus inicios se influenció en el heavy metal clásico. Cuando el baterista y también poeta Txus di Fellatio asumió la dirección del proyecto se cambiaron el nombre a Mago de Oz, inspirados en la novela escrita por L. Frank Baum, desde entonces, la banda tuvo una propuesta conceptual clara: música con un fuerte componente narrativo, teatral, con raíces en la literatura fantástica, la mitología y la crítica social.

Durante sus primeras formaciones hubo varios cambios, pero cuando ingresaron los músicos José Andrëa (voz), Mohamed (violín) y Carlitos (guitarra), el sonido de Mago de Oz se consolidó como una mezcla vibrante de rock celta, folk metal y metal sinfónico.

Durante años recorrieron salas pequeñas en Madrid, acumulando una base de fans fieles sin apoyo mediático. Sus primeros discos Mago de Oz (1994) y Jesús de Chamberí (1996) fueron la antesala de una propuesta que pronto se convertiría en una marca registrada del metal español.

La leyenda de La Mancha: cuando el heavy metal encontró a Don Quijote

En 1998 la banda lanzó La leyenda de La Mancha, una obra conceptual basada en Don Quijote, que convirtió a Mago de Oz en un fenómeno cultural. Canciones como “Molinos de viento” se convirtieron en himnos instantáneos, y el álbum demostró que se podía unir con éxito la tradición literaria con el heavy metal y el folk celta.

Gracias a este disco salieron de los bares para presentarse en grandes festivales y realizar giras internacionales, principalmente en América Latina, donde su propuesta musical fue recibida con gran entusiasmo.

Finisterra: crítica social, paganismo y revolución sonora

En el 2000 Mago de Oz lanzó Finisterra, un álbum doble, ambicioso, distópico, épico, con una narrativa post apocalíptica cargada de crítica a las religiones organizadas, al sistema capitalista y a la manipulación mediática. Para muchos es considerado como su obra maestra, gracias a canciones como “Fiesta pagana”, “La danza del fuego” y “Astaroth”.

Musicalmente, Finisterra es un disco con gaitas, flautas, sintetizadores, guitarras afiladas y letras que invitan a la rebelión, al amor libre, a la conciencia ecológica y espiritual. Gracias a este disco, quedó claro que Mago de Oz no era solo una banda de metal, sino una banda que buscaba crear conciencia a través de sus letras.

La trilogía Gaia: una ópera metal sobre justicia y colonización

Entre 2003 y 2010 la banda lanzó su trilogía musical más ambiciosa: Gaia, Gaia II: la voz dormida y Gaia III: Atlantia. Más allá de su potencia musical, estos álbumes contaron una historia sobre la colonización de América, la inquisición y la lucha por la justicia. Una ópera metal histórica, política y emocional.

Durante esta etapa, Mago de Oz alcanzó el estatus de leyenda en países como México, Colombia, Chile y Argentina. Su puesta en escena teatral, los elementos de fantasía, el uso del español como lengua narrativa del metal y su defensa de causas sociales, convirtieron a la banda en referente del folk metal latinoamericano.

Cambios de alineación y reinvención constante

A partir de 2011, el proyecto enfrentó momentos difíciles, ya que José Andrëa abandonó la banda, y aunque muchos seguidores pensaron que todo estaba perdido, Pero Txus demostró que Mago de Oz era más que un vocalista. Cuando entraron nuevos como Zeta, Rafa Blas y Xana Lavey, la banda encontró nuevas formas de expresarse sin traicionar su esencia.

Aunque no exentos de críticas, los discos siguientes, Ilussia (2014) e Ira Dei (2019), mantuvieron vivo el espíritu teatral y conceptual.

Mägo de Oz en la era digital: del Metalverso a la inteligencia artificial

En 2024 lanzó Alicia en el Metalverso, un disco que mezcla los mundos de Lewis Carroll, autor de Alicia en el país de las maravillas, con el caos digital contemporáneo. El videoclip de "El vals de las almas rotas" se realizó con inteligencia artificial, con el objetivo de seguir innovando, incluso en lo visual y tecnológico.

El legado de Sergio “Kiskilla” Cisneros: alma del teclado y la fantasía

En marzo de 2025, la banda sufrió la dolorosa pérdida de Sergio “Kiskilla” Cisneros, su antiguo teclista, víctima de una enfermedad pulmonar. Su paso por la banda fue clave en la etapa de mayor esplendor musical, especialmente durante Finisterra y la trilogía Gaia, dejando una huella imborrable en la historia de la discografía de Mago de Oz.

A pesar del dolor, Mago de Oz sigue de pie. Con más de 30 años de historia, decenas de discos y miles de conciertos, la banda continúa con giras, nuevos álbumes y un ejército de fans que los siguen como a héroes de leyenda.

Mägo de Oz en Bogotá 2025: concierto gratuito del Concierto de la Esperanza

Con más de 30 años de trayectoria musical, Mago de Oz ha sabido hacer del arte un pasaje a lo sagrado y a lo profano, a lo antiguo y a lo que vendrá, por eso es una de las presentaciones más esperadas en el Concierto de la Esperanza 2025 ¡LATINOAMÉRICA MIGRANTE RESISTE!, un evento gratuito organizado por RTVC con el que a través del arte se levantará la voz en pro de la comunidad migrante.

El concierto será el próximo domingo 8 de junio desde las 12:00 p.m. en la Plaza de Bolívar de Bogotá, la entrada es gratuita y pueden asistir mayores de 14 años.

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Velandia y la Tigra 3g51w ingenio y vanguardia en el Concierto de la Esperanza

Fri, 23 May 2025 03:03:53 +0000

Velandia y la Tigra: ingenio y vanguardia en el Concierto de la Esperanza afcastellanos Jue, 22/05/2025 - 22:03

Velandia y la Tigra, proyecto de música fusión de Piedecuesta, Santander, liderado por Edson Velandia, se presenta en vivo este 8 de junio en el Concierto de la Esperanza ¡Latinoamérica migrante resiste! Un evento gratuito de RTVC Sistema de Medios Públicos en la Plaza de Bolívar de Bogotá, con transmisión en vivo de Señal Colombia, Radiónica, Radio Nacional de Colombia y RTVlay.

La originalidad de Velandia y la Tigra

En 70 años de música alternativa en Colombia, pocos proyectos musicales se han destacado tanto por su originalidad como Velandia y la Tigra. Tan única es esta propuesta que Edson Velandia, su creador, se vio en la necesidad de inventarse un género propio, ya que los existentes no terminaban de representar su propuesta influenciada por la música andina y una técnica de Spoken Word (o palabra hablada) que imprime en la banda una personalidad única. Así, surgió la «Rasqa»: un término derivado de los «rascabuches», como se les conocía a los payasos inútiles de los circos santandereanos.

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🇨🇴✊ ¡De Piedecuesta, Santander, para el mundo! Los ritmos de Velandia y la Tigra llegarán al #ConciertoDeLaEsperanza: Latinoamérica Migrante Resiste.

🤘🏿Entrada libre
🗓️ 8 de junio de 2025
📍 Plaza de Bolívar de Bogotá
📡Transmisión por @SenalColombia, @RadNalCo y @RTVlay. pic.twitter.com/RqcQnFbe2b
— Señal Colombia (@SenalColombia) May 21, 2025

«Con Velandia y la Tigra no era tan claro dónde suscribir la música. Yo no quería ser roquero, no era la idea, ni tampoco jazzista, ni tampoco folclorista. Era una exploración como la del pintor o la del escritor. De puertas para adentro, pintando sus cuadros, haciendo sus poemas de una manera espontánea y no necesariamente siguiendo un género. Entonces no quería tampoco que cuando hablaran de nuestra música en alguna nota periodística dijeran que era rock o era jazz. Entonces se me ocurrió que había que buscarle un nombre y le puse Rasqa», explicó Edson Velandia para la serie documental Nación Rebelde de Señal Colombia.

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La historia y discografía de Velandia y la Tigra

Velandia y la Tigra surgió en 2007. Fue el segundo proyecto musical de Edson Velandia, después de Cabuya. Desde la aparición del grupo, sus puestas en escena marcaron una propuesta novedosa y cómica, con lenguajes audiovisuales experimentales. De Once Rasqas, álbum debut de la banda, sobresale el sencillo El Sietemanes, con novedosos juegos de palabras y que marcaría la tendencia de un fuerte componente teatral en sus videoclips.

De Superzencillo, segundo álbum de Velandia y la Tigra, la canción Balada suma casi un millón de reproducciones en Spotify. El arte del disco muestra la ilustración de un hombre en corbata con una cabeza de burro. Un símbolo campesino y circense que se convertiría en la imagen más representativa de la banda.

En los álbumes Oh, Porno! (2010), Eggipto: requien rasqa pa’ cielito (2011) y el EP La lengua del León (2011) surgieron hits como Naranjas y Calavero, antes de que la banda entrara en un receso de 12 años. En este tiempo, Edson Velandia brilló con su proyecto solista. Su música, ingeniosa y festiva, fue protagonista del estallido social colombiano que derivó en la llegada de Gustavo Petro a la Presidencia. Adriana Lizcano, su pareja, fue la dupla del músico santandereano en este viaje musical y en la aparición del Festival de la Tigra: evento que se celebra anualmente en Piedecuesta para promover artistas emergentes.

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En 2023, Velandia y la Tigra selló su regreso mediante un nuevo disco de estudio, llamado Proverbios Burros, con éxitos como Ñera, Venganza y Venezuela: un elogio a partir de recuerdos al país más cercano a Colombia, cuya hermandad se ha visto debilitada en el último tiempo por culpa del imperialismo occidental.

Velandia y la tigra en el VI Concierto de la Esperanza

Velandia y la Tigra llega en 2025 al VI Concierto de la Esperanza ¡Latinoamérica migrante resiste! precedidos de sensibilidad social, un interesante sentido de colombianidad y un ingenio creativo nunca antes visto en el arte colombiano.

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«Siempre he estado en una exploración. Creo que mi propósito ha sido no repetir esquema. Hasta hoy mi trabajo sigue funcionando alrededor de eso que ni siquiera se ha conocido o explorado. Evitando el lugar seguro, aunque obviamente he puesto en juego otros elementos que sé que funcionan. Logramos hacer una música urbana que no se concebía dentro de algo predeterminado. Ese puede ser mi aporte. Inventar un color, un sonido nuevo», concluye Edson Velandia que se presentará con Velandia y la Tigra en la Plaza de Bolívar de Bogotá el domingo 8 de junio de 2025, en un evento gratuito transmitido por la radio y la televisión pública de Colombia.

Inti 3x1o65 Illimani: espíritu andino, identidad y resistencia

Thu, 22 May 2025 17:46:31 +0000

Inti-Illimani: espíritu andino, identidad y resistencia afcastellanos Jue, 22/05/2025 - 12:46

Inti-Illimani es uno de los invitados principales del Concierto de la Esperanza ¡Latinoamérica migrante resiste! La agrupación chilena de música andina se presenta gratis este domingo 8 de junio de 2025 en la Plaza de Bolívar de Bogotá, con transmisión en vivo para todo el país por Señal Colombia, Radiónica, Radio Nacional de Colombia y RTVlay.

“El pueblo unido jamás será vencido” es probablemente la primera frase que aterriza en nuestra mente cuando pensamos en arengas populares. Este verso surgió en 1973 y se convirtió en himno gracias a las agrupaciones Quilapayún e Inti-Ilimani: máximos referentes de la llamada “Nueva canción chilena” y símbolos latinoamericanos en representación cultural y resistencia al imperialismo occidental.

Casi 60 años de historia y una misma cantidad de álbumes de estudio prueban el poder y longevidad de Inti-Illimani: un grupo que con el paso del tiempo se ha rotado la antorcha entre integrantes de distintas generaciones.

La historia de Inti-Illimani

La historia Inti-Illimani está atravesada por procesos políticos, sociales y culturales latinoamericanos. Especialmente, por su lucha a favor de la justicia social, la democracia, los derechos humanos y su resistencia a las dictaduras y los autoritarismos políticos.

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Inti-Illimani fue fundado en 1967 por Óscar Guzmán, Horacio Durán, Pedro Yáñez, Jorge Coulón, Max Berrú y Ciro Retamal, estudiantes de la Universidad Técnica del Estado de Chile (hoy, Universidad de Santiago). El nombre del grupo proviene del idioma aimara y significa "Sol del Illimani", en referencia a una montaña de Bolivia.

Inti-Illimani fusiona instrumentos tradicionales andinos como la quena, el charango y la zampoña, alrededor de una fuerte conciencia social. Desde sus inicios participaron activamente en la Nueva canción chilena, junto a Víctor Jara, Violeta Parra y Quilapayún.

Durante el Golpe de Estado en 1973 liderado por Augusto Pinochet y los militares chilenos (que inició con la muerte del presidente Salvador Allende), Inti-Illimani estaba de gira por Europa. Este hecho fortuito salvó la vida de sus integrantes, pero los mantuvo exiliados de su país durante 15 años, poco antes del regreso de la Democracia a Chile.

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La música de Inti-Illimani

A través de su historia, Inti-Illimani ha estado alineado con premisas de libertad, justicia social, memoria y solidaridad. Sus canciones abordan temáticas como la lucha de los pueblos indígenas y campesinos, la identidad cultural latinoamericana, el exilio y la esperanza en el retorno. Además de su mensaje político, también exploran temáticas poéticas, amorosas y existenciales.

Las canciones más memorables de Inti-Illimani son la mencionada El pueblo unido jamás será vencido de 1973 (himno de resistencia), Alturas de 1973 (basada en la obra de Pablo Neruda), La Partida de 1974 (interpretación instrumental andina), Vuelvo de 1979 (sobre el exilio y la esperanza), Samba Lando de 1984 (fusión de ritmos afroperuanos) y Sobre tu playa y Malagueña de 2002 (sobre el amor y la nostalgia).

El legado de Inti-Illimani

Con la llegada del Siglo XX, Inti-Illimani se ha dividido entre el Inti-Illimani histórico y el nuevo Inti-Illimani. Ambas formaciones mantienen viva la esencia del proyecto original, se dividen repertorios y siguen girando alrededor del mundo.

Con su formación clásica liderada por Horacio Durán y Jorge Coulón, Inti-Illimani se presenta gratis en la Plaza de Bolívar de Bogotá este domingo 8 de junio, en el VI Concierto de la Esperanza ¡Latinoamérica migrante resiste! junto con un cartel nacional e internacional de lujo. Este concierto organizado por RTVC Sistema de Medios Públicos será transmitido en vivo a través de Señal Colombia, Radiónica, Radio Nacional de Colombia y RTVlay.

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#ATENCIÓN🚨🚨🚨 | ¡Este es el line up de artistas que tendremos en el Concierto de la Esperanza: Latinoamérica Migrante Resiste! ✊🏻

¡Te esperamos este 8 de junio de 2025 en la Plaza de Bolívar de Bogotá para cantar juntos en una sola voz! 🎤🎵

Entrada gratuita 🎟️ pic.twitter.com/Ew92J3GZ9v
— Señal Colombia (@SenalColombia) May 15, 2025

Kombilesa Mí 1h516a directamente desde San Basilio de Palenque

Wed, 21 May 2025 20:48:00 +0000

Kombilesa Mí, directamente desde San Basilio de Palenque

Fotos: redes sociales de la agrupación

djauregui Mié, 21/05/2025 - 15:48

Kombilesa Mí es en la actualidad la representación del Rap Folklórico Palenquero, una combinación de ritmos revolucionaria que ha puesto a este colectivo en la mira de los aficionados de la música urbana con influencias tradicionales.

Nacido el 20 de julio de 2011, Kombilesa Mí, afirman los medios de comunicación, es una forma actual de conocer la histórica población de San Basilio de Palenque a través de su música.

Esta destacada agrupación, que hace parte del cartel del Concierto de la Esperanza: Buenaventura Música por la Paz tiene una propuesta auditiva llena de historias, costumbres, tradiciones y música autóctona de este histórico pueblo de Bolívar.

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Kombilesa Mí, Hip Hop al estilo palenquero

Kombilesa Mí traduce al español “mis amigos”, y su nombre está relacionado con la forma en la que nació y en mucho de lo que tiene que ver su huella musical, pues sus letras e interpretaciones son en español y en lengua tradicional palenquera.

Esta agrupación es un acervo auditivo, sumamente creativo y bien elaborado (incluso con instrumentos propios) que contiene historias, costumbres, tradiciones y música autóctona de San Basilio de Palenque, fusionando los sonidos tradicionales del caribe colombiano como el Bullerengue, la Cumbia, el Mapalé, y la Champeta con el Hip Hop, a lo que han denominado el Rap Folklórico Palenkero RFP.

“A nuestra comunidad llegó el rap, habían solistas y agrupaciones. Entonces lo que hicimos fue lanzar una convocatoria, nos citamos en la Casa de la Cultura y socializamos la idea de crear un colectivo o movimiento de hip hop en Palenque y ese fue nuestro inicio”, explicó Andris Padilla Julio, mejor conocido como Afroneto, al diario El Universal.

La inspiración de esta agrupación es su gente, su tierra, su memoria. De acuerdo con declaraciones de integrantes de Kombilesa Mí a medios de comunicación, la música de este colectivo viene de la cotidianidad palenquera.

De ahí que las manifestaciones culturales que hacen parte de ese patrimonio folklórico y cultural de San Basilio de Palenque son la inspiración de este colectivo, pues su contenido procura narrar ese patrimonio cultural y lo que pasa a diario en la comunidad de Palenque: desde los acontecimientos de la población, sus fiestas, eventos, y victorias colectivas.

La música de Kombilesa Mí es, entonces, libre y compleja, tal como lo es la significativa historia de San Basilio de Palenque, el primer pueblo afrodescendiente de América y un pueblo revolucionario que incluso antes de la campaña libertadora de Bolívar rompió las cadenas de la colonización europea.

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Kombilesa Mí: sinónimo de innovación musical

La agrupación experimenta con los instrumentos creados por sus antepasados y con lo que han sido relacionados desde jóvenes, haciendo uso de ellos y modificándolos para lograr nuevos sonidos.

De esta manera, sobre percusión tradicional, tambores metálicos de diseño propio hechos a mano y marímbula, Kombilesa Mí deja todo el poder del Hip Hop bilingüe, es decir en español y en palenquero, lengua vernácula de origen africano resultado de la fusión de Bantú y aportes del portugués, francés , inglés y castellano.

De esta fusión y creatividad artística han surgido éxitos como Má Kuagro, Así es palenque, Los peinados, I a Piya Bó, entre otros.

Así es palenque, lanzado en 2016, les significó una nominación a mejor agrupación independiente en los premios Shock en Colombia, y Esa palenkera, canción estrenada en 2018 fue la excusa para su gira debut en los Estados Unidos, participando en escenarios como NPR Tiny Desk en 2022.

A partir de allí han llegado a escenarios internacionales como Teatro Market Johannesburgo, en Sudáfrica (2023) y las tarimas del Festival de Jazz de New Orleans Congo Square (2024).

Kombilesa Mí es una agrupación que a partir de su propia historia e identidad cultural han logrado hacer una fusión musical donde sus raíces y el Hip Hop los han hecho destacar tanto en la escena nacional como la internacional.

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Aportes de las mujeres a la música afro 4q3d3d

Tue, 20 May 2025 16:37:24 +0000

Aportes de las mujeres a la música afro sacosta Mar, 20/05/2025 - 11:37

Señal Colombia trae a su pantalla 'Polifonía', un documental que relata el aporte de las mujeres a la música afro en sus territorios.

Son múltiples sonidos que expresan derechos y saberes, prácticas y resistencias desde la antigua esclavitud africana, hasta la actual economía extractivista que perjudica a sus habitantes.

Por eso quisimos profundizar más allá del documental, y explorar con la ayuda de dos expertas sobre la importancia de la mujer en la música afro.

Somos las Renacientes y les queremos cantar, el papel de nuestras mujeres en nuestra comunidad, desde África hasta el Cauca, esclavizadas vinieron, todas aquellas ancestras que las cadenas rompieron.
Las Renacientes

Con el fragmento de esta canción inicia el documental Polifonía, dirigido por Lina Gaitán, quien tomó como eje el colectivo femenino Las Renacientesun grupo de mujeres que desde la comunicación propia y comunitaria, trabajan para mantener la memoria de sus comunidades ancestrales.

Aportes a la música afro

De acuerdo con Gaitán, el principal aporte de las mujeres que pudo percibir durante la realización de este contenido junto a la Asociación Municipal de Mujeres de Buenos Aires (Cauca), fue "la dimensión humana, pues la música es un hilo para trenzar la comunidad, es el saludo con los vecinos, el contrapunteo de una copla para hacer más amena una jornada de trabajo, pues durante generaciones han sido las mujeres las que crean y recrean versos que se hacen tan famosos y que muchas veces se vacían de contenido al llevarles al público blanco mestizo".

Incluso añadió que "las mujeres traen la música desde la profundidad de la vida cotidiana, más allá de un festival o una tarima, ellas no pueden ser vistas como un objeto de consumo por su aporte patrimonial".

Aportes sociales

La unión y el vínculo que genera la música femenina afro tiene un gran impacto social, de acuerdo con Heny Cuesta, catedrática de estudios afrodiásporicos de la Secretaría de Educación de Bogotá, "varios de los aportes están ligados a temas religiosos y de género, donde la mujer destaca su cuerpo, la voz, los llantos, gritos y risas que caracterizan la historia de la mujer negra".

Claro que estas emociones no se pueden reducir a un mero argumento fonético o estético, pues cada una de estas expresiones, de acuerdo con Cuesta, "son una figura política, en cuanto su voz se vuelve una denuncia de lo que pasa en su territorio, lo cual genera un gran aporte de las mujeres a la música afro".

Entre los referentes contemporáneos que han contribuido a estos aportes, según la experta están: Totó la Momposina, Nidia Góngora, Goyo de Chocquibtown, Zully Murillo. Entre otras.

Y es que son muchas las razones por las que las mujeres afro protestan, entre las más problemáticas están, según la Asociación de Mujeres Afrocolombianas: violencia sexual, física y psicológica. También violencia étnica y desplazamiento.

Otra problemática evidenciada por la Corporación Humanas Colombia es la errónea interpretación de la palabra étnico, "el calificativo de “étnicos” se aplica única y exclusivamente a los pueblos indígenas, por lo cual la Ley 691 excluye a los afrocolombianos. Esto, a pesar de que la población afrocolombiana es titular de los mismos derechos culturales que los pueblos indígenas".

Aportes musicales

Gracias a los aportes de la mujer a la música afro, se han respetado sucesos trascendentales en las comunidades donde la música tiene un uso social específico.

Por ejemplo, a las niñas del municipio de Andagoya, en Chocó, a través de las marimbas y cánticos se les da la bienvenida a ser mujeres por la llegada de su primer periodo menstrual.
Heny Cuesta, catedrática de estudios afrodiásporicos y etnoeducación

Hay otros aportes más relacionados a los sonidos y la composición. Consultamos a Carolina Mosquera, directora del Afrofestival en Colombia y nos comentó que "la mujer es la que más contribuye en la mayoría de los cantos de la música afro, especialmente porque construye sus propias letras e interpretaciones, que en su mayoría son súplicas, lamentos, alabanzas y agradecimientos a la vida".

Es por ello que a través de las letras, Mosquera sostiene que muchas de ellas se ven influenciadas por el entorno, donde se permite contar esa historia no contada de forma oficial. "Desde las letras se impide el olvido de sus tradiciones, allí las mujeres utilizan los cantos para reconocer la construcción de nación que se ha hecho durante siglos y ha permitido hasta el presente el tejido de la mujer afro en la comunidad".

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Serú Girán regresa a los escenarios y se presentará en el Festival Cordillera 2025 5v1w16

Tue, 20 May 2025 15:14:54 +0000

Serú Girán regresa a los escenarios y se presentará en el Festival Cordillera 2025 jlrojas Mar, 20/05/2025 - 10:14

Serú Girán regresa a los escenarios en 2025 y lo hará en grande: como uno de los headliners del Festival Cordillera 2025. La banda argentina, ícono de la música latinoamericana y referente de resistencia cultural en tiempos de dictadura, no se presentaba en vivo desde 1992, cuando reunió a más de 70.000 personas en el Estadio Monumental de Buenos Aires.

Una banda emblemática de la música latinoamericana

Formada a finales de los años 70 por Charly García, Pedro Aznar, David Lebón y Oscar Moro, Serú Girán nació en un contexto de represión, dictadura y censura en Argentina. Su música fue una respuesta poética y poderosa a la opresión del momento.

La banda logró convertir experiencias íntimas en algo universal, lo melancólico en un grito sutil de esperanza y en una época en la que hacer música podía ser un acto de subversión, Serú Girán se convirtió en esa agrupación que logró alzar la voz por aquellos que no podían hacerlo.

Canciones como Seminare, Canción de Alicia en el país, Mientras miro las nuevas olas o Cuánto tiempo más llevará no solo marcaron a toda una generación, sino que siguen siendo espejo del presente. Su sonido, una fusión de rock progresivo, jazz y canción latinoamericana, todavía conmueve, sacude y provoca.

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Festival Cordillera 2025: el regreso de Serú Girán a los escenarios

Que Serú Girán vuelva a tocar en vivo después de estar 30 años lejos de los escenarios y en un escenario como el del Festival Cordillera, que celebra lo mejor de la música iberoamericana, es mucho más que un concierto, es un momento histórico.

La última vez que Serú Girán se presentó en vivo fue en 1992, en un concierto histórico en el Estadio Monumental de Buenos Aires, ante más de 70.000 personas. Más de tres décadas después, su reencuentro con el público promete ser uno de los eventos más emocionantes del año.

Vale la pena aclarar que solo dos de los originales de Serú Girán estarán en el escenario: Pedro Aznar, David Lebón, ya que Oscar Moro falleció y Charly García tiene sus proyectos personales.

Entradas para Serú Girán en el Festival Cordillera 2025

Los combos de dos días estarán disponibles desde las 10:00 AM de este martes 20 de mayo, exclusivamente para clientes de los Bancos Aval a través de Ticketmaster.

Andrés Calamaro defiende su posición a favor de la tauromaquia luego de ser abucheado en Cali 1u5z14

Mon, 19 May 2025 16:16:15 +0000

Andrés Calamaro defiende su posición a favor de la tauromaquia luego de ser abucheado en Cali jlrojas Lun, 19/05/2025 - 11:16

El artista argentino Andrés Calamaro se presentó el 17 de mayo en la Arena Cañaveralejo de Cali, Colombia, en el marco de su 1999 Tour. Sin embargo, el concierto terminó en polémica: ya que el músico fue abucheado por el público tras defender abiertamente la tauromaquia, lo que lo llevó a abandonar el escenario.

El gesto con una chaqueta que desató el rechazo del público

Mientras interpretaba la canción Flaca, uno de sus más grandes éxitos, hizo un gesto que simulaba una ovación de toreo, con una chaqueta roja que simulaba una muleta de torero. Fue entonces cuando el público comenzó a mostrar rechazo por su comportamiento.

Tras tirar la chaqueta al suelo, el músico afirmó: “Quiero dedicar esta canción a todos los toreros, ganaderos, banderilleros y aficionados que se quedan sin trabajo, porque votaron para eso: dejarlos en la calle”, además canceló al público también: “lo siento. Están cancelados y bloqueados. Hasta nunca”, dijo antes de retirarse del escenario.

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Calamaro respondió en redes: “No se queman libros ni se cierran bibliotecas”

Pero no terminó todo ahí, un día después, el domingo 18 de mayo, el artista publicó una imagen con la estatua de un torero y un largo texto en el que una vez más defendió su postura a favor de las corridas de toros, incluso comparó la tauromaquia con la literatura.

“No sé si los aficionados son mayoría en Colombia pero tampoco la literatura es mayoritaria y de momento no se queman libros y la biblioteca sigue abierta. Los cines claudicaron frente a las plataformas y la internet y no es algo que haya que celebrar” aseguró.

Crítica a los animalistas y defensa de los trabajadores taurinos

También mencionó que los aficionados a la tauromaquia son “decentes y educados padres de familia que jamás maltratamos animales”, a diferencia de los animalistas que según él “no saben hacer otra cosa que insultar y desear sangrientas consecuencias para quienes elegimos libremente qué hacer con nuestro tiempo”.

En el texto, Calamaro explica que dieron el recital completo, que él y su banda tocaron las 22 canciones que incluye el repertorio completo y que solamente dejó dos minutos el escenario mientras había un pasaje instrumental.

Se adentró también en temas políticos y aseveró que “Cali jamás votó ni fue a referendo para cerrar la plaza, esto ocurre con la complicidad de la ignorancia adolescente de una minoría y luego son movidas políticas para tejer alianzas y sumar una mayoría. Colombia es taurina como es musical, es tradicional, cultura, trabajo y libertad”.

Tal como lo afirma Calamaro, no es la primera vez que el artista defiende la tauromaquia, de hecho es reconocido por sus posturas conservadoras y apoyar al presidente de su país: Javier Milei. “Es posible que los aficionados seamos una minoría pero estamos en una época donde se respetan los derechos y las libertades de las minorías. Tampoco deseo abusar de la ignorancia atrevida de aquellos que no conocen vida fuera de internet y apenas si se pronuncian con palabras, hace siglos que apoyo la existencia de la tauromaquia y nunca fui increpado en la calle, ni una vez”.

Mencionó que si bien no era torero ni asesino, ni maltratador de animales, si los come a diario, incluso mencionó a Walt Disney y al nazismo. “La gastronomía tampoco es maltrato perverso, advierto si es desapego de las nazi animalista para con los ciudadanos e no favor de una fantasía incluso absurda para Walt Disney”.

“Finalmente yo solo lamenté estar en una plaza de toros sin toros, y soy solidario con la gente que se queda sin trabajo en el campo y en la plaza” enfatiza el músico.

Próximas fechas de Andrés Calamaro en Colombia

Por ahora, el público está expectante sobre los próximos shows que tiene programados Andrés Calamaro en Colombia como parte de su 1999 Tour, ya que el 23 de mayo realizará un concierto en el centro de eventos La Macarena, en Medellín, lugar que también solía ser una plaza de toros; también se presentará el 25 y 26 de mayo en Manizales, el 29 en Bogotá y el 31 en Barranquilla.